Indie-Rock - Wikipedia

Indie-Rock ist ein Genre der Rockmusik, das in den 1970er Jahren im Vereinigten Königreich entstand. Ursprünglich zur Bezeichnung unabhängiger Plattenlabels verwendet, wurde der Begriff mit der von ihnen produzierten Musik in Verbindung gebracht und wurde anfangs austauschbar mit alternativem Rock verwendet. Als Grunge- und Punk-Revival-Bands in den USA und Britpop-Bands in Großbritannien in den 1990er Jahren in den Mainstream einbrachen, wurden sie dazu verwendet, jene Akte zu identifizieren, die eine Außenseiter- und Underground-Perspektive beibehielten. In den 2000er Jahren begannen einige Indie-Rock-Acts als Folge der Veränderungen in der Musikindustrie und der wachsenden Bedeutung des Internets kommerziellen Erfolg zu haben, was zu Fragen nach ihrer Bedeutung als Begriff führte.

In der Mitte der 1980er Jahre austauschbar mit "Gitarren-Pop-Rock" verwendet, ^[1] wurde der Begriff "Indie" (oder "Indie-Pop") verwendet, um die auf Punk- und Post-Punk-Labels produzierte Musik zu beschreiben ^[2] Einige bekannte Indie-Rock-Plattenlabels wurden in den 1980er Jahren gegründet. In den 1990er Jahren brachen Grunge-Bands in den Mainstream ein, und der Begriff "Alternative" verlor seine ursprüngliche gegenkulturelle Bedeutung. Der Begriff "Indie-Rock" wurde mit den Bands und Genres assoziiert, die ihrem unabhängigen Status vorbehalten blieben. ^[3] Ende der 1990er-Jahre entwickelte Indie-Rock mehrere Subgenres und verwandte Stile, darunter Lo-Fi, Noise Pop, Emo, Slowcore, Post-Rock und Math Rock. ^[3] In den 2000er Jahren ermöglichten Veränderungen in der Musikindustrie und in der Musiktechnologie einer neuen Welle von Indie-Rock-Bands, Mainstream-Erfolge zu erzielen. ^[4] [19659002] In den frühen 2000er Jahren trat eine neue Gruppe von Bands in den Mainstream ein, die eine abgespeckte, grundlegendere Version des Gitarrenrock spielte. Der kommerzielle Durchbruch dieser Szenen wurde von vier Bands angeführt: The Strokes, The White Stripes, The Hives und The Vines. Emo brach auch in die Mainstream-Kultur in den frühen 2000er Jahren ein. ^[5] Ende des Jahrzehnts wurde die Verbreitung von Indie-Bands als "Indie-Deponie" bezeichnet. ^[6]

Eigenschaften [ ]]

Der Begriff "Indie-Rock", der von "Independent" stammt, beschreibt die kleinen und relativ günstigen Labels, auf denen er veröffentlicht wird, und die Do-It-Yourself-Haltung der beteiligten Bands und Künstler. Obwohl Distributionsabkommen oft mit großen Konzernen geschlossen werden, haben diese Labels und die Bands, die sie beherbergen, versucht, ihre Autonomie zu wahren, wodurch sie die Möglichkeit haben, Klänge, Emotionen und Themen zu erkunden, die ein breites Publikum ansprechen. ^[3] Die Einflüsse und Die Stilrichtungen der Künstler waren sehr unterschiedlich, darunter Punk, Psychedelia, Post-Punk und Country. ^[2] Die Begriffe "alternativer Rock" und "Indie-Rock" wurden in den 1980er Jahren austauschbar verwendet, aber nach vielen alternativen Bands folgte Nirvana in den In den frühen 1990er Jahren wurde "Indie-Rock" eingesetzt, um jene Bands zu beschreiben, die in einer Vielzahl von Stilen arbeiteten, die keinen kommerziellen Erfolg verfolgten oder erzielten. ^[3] Ästhetisch gesehen zeichnet sich Indie-Rock durch eine sorgfältige Balance aus Pop-Zugänglichkeit mit Geräuschen, Experimentieren mit Popmusikformeln, sensible, durch ironische Haltung maskierte Texte, eine Sorge um "Authentizität" und die Darstellung eines einfachen Mannes oder Mädchens. ^[7]

Allmusic identifiziert Indie-Rock als eine Reihe von "variierenden musikalischen Ansätzen [not]die mit dem Mainstream-Geschmack vereinbar sind". ^[8] Durch ein Ethos mehr als ein Musical verbunden Die Indie-Rock-Bewegung umfasste eine breite Palette von Stilen, von hartkantigen, von Grunge beeinflussten Bands über experimentelle Selbstbau-Bands wie Pavement bis hin zu Punk-Folk-Sängern wie Ani DiFranco. ^[9] Es gibt eine immerwährende Liste von Genres und Subgenres des Indie-Rocks. ^[10] Viele Länder haben eine umfangreiche, lokale Indie-Szene entwickelt, die mit Bands aufwartet, die über genügend Popularität verfügen, um innerhalb des jeweiligen Landes zu überleben, aber an anderer Stelle praktisch unbekannt. Es gibt jedoch immer noch Indie-Bands, die lokal anfangen, aber letztendlich ein internationales Publikum anziehen. ^[12]

Indie-Rock hat einen relativ hohen Anteil von weiblichen Künstlern im Vergleich zu vorangegangenen Rock-Genres, eine Tendenz, die durch die Entwicklung der feministisch informierten Riot Grrrl-Musik von Acts wie Bikini Kill, Bratmobile, 7 Year Bitch, Team Dresch und Huggy Bear veranschaulicht wurde. ^{[13] [13]} Allerdings betonte Cortney Harding dass dieses Gefühl der Gleichheit sich nicht in der Zahl der Frauen widerspiegelt, die Indie-Labels betreiben. ^[14]

Post-Punk und Indie-Pop [ edit ]

Die BBC-Dokumentation Music for Misfits : The Story of Indie ^[15] zeigt die Geburt von Indie als die 1977 erschienene Selbstveröffentlichung der Spiral Scratch EP der Manchester-Band Buzzcocks. Obwohl Buzzcocks oft als Punkband klassifiziert werden, wurde von der BBC und anderen ^[16] argumentiert, dass die Veröffentlichung von Spiral Scratch unabhängig von einem Major-Label dazu geführt hat, dass der Name "Indie" (Indie) verkürzt wurde Form von "unabhängig").

"Indie-Pop" und "Indie" waren ursprünglich synonym. ^[17] Mitte der 80er Jahre wurde "Indie" verwendet, um die Musik zu beschreiben, die auf Post-Punk-Labels produziert wurde, und nicht auf den Labels selbst. ^[2] Die Indie-Rock-Szene in den USA wurde durch den College-Rock ^[18] geprägt, der die Wiedergabelisten von College-Radios beherrschte, zu denen auch wichtige Bands wie REM gehörten aus den USA und The Smiths aus Großbritannien. ^[19] Diese beiden Bands lehnten den vorherrschenden Synthpop der frühen 1980er Jahre ab ^[20][21] und trugen dazu bei, Gitarren-basierten Jangle-Pop zu inspirieren; Weitere wichtige Bands des Genres waren 10.000 Maniacs und die dBs aus den USA sowie The Housemartins und The La's aus Großbritannien. In den Vereinigten Staaten wurde der Begriff insbesondere mit den abreibenden, verzerrungslastigen Klängen der Pixies, Hüsker Dü, Minutemen, Meat Puppets, Dinosaur Jr. und The Replacements in Verbindung gebracht. ^[19]

Im Vereinigten Königreich war die C86 -Kassette, eine 1986 NME -Kompilation mit Primal Scream, The Pastels, The Wedding Present und anderen Bands, ein Dokument der britischen Indie-Szene zu Beginn 1986 gab sie der Indie-Pop-Szene ihren Namen, die einen großen Einfluss auf die Entwicklung der britischen Indie-Szene insgesamt hatte. ^[22][23] Zu den wichtigsten Vorläufern des Indie-Pop gehörten die Postcard-Bands Josef K und Orange Juice Zu den Labels gehörten Creation, Subway und Glass. ^[17] Der Sound von Jesus und Mary Chain kombinierte das "melancholische Geräusch" des Velvet Underground mit Pop-Melodien von Beach Boys und der "Wall of Sound" -Produktion von Phil Spector, ^{[24][25] Beispielsbedeutung? ]} while New Order entstand aus dem Ableben der Post-Punk-Band Joy Division und experimentierte mit Techno- und House-Musik. ^{[26] [ Beispielsbedeutung? ]}

Noise Rock und Shoegazing [ edit ]

Der aggressivste und widerspenstigste Auswuchs des Punks war Noise Rock, der laute, verzerrte E-Gitarren und kraftvolle Drums hervorhob, und wurde von Bands wie Sonic Youth, Big Black und Butthole Surfers gelehrt. ^[27]

SWANS, eine einflussreiche New Yorker Band, kann leicht, aber fälschlicherweise als Noise Rock eingestuft werden, wird aber als Teil der No Wave-Szene, zu der auch Lydia Lunch und James Chance & The Contortions gehörten, korrekter identifiziert. Diese Bands wurden von Brian Eno auf dem wegweisenden Album No New York dokumentiert. Eine Reihe von bekannten Indie-Rock-Plattenlabels wurde in den 1980er Jahren gegründet. Dazu gehören Washington, DCs Dischord Records im Jahr 1980, Seattles Sub Pop Records im Jahr 1986 ^[28] und Matador Records in New York City und Durham, North Carolinas Merge Records im Jahr 1989. Chicagos Touch and Go Records wurde 1979 als Fanzine gegründet begann in den 1980er Jahren Platten zu veröffentlichen. ^[29]

Die Jesus und Mary Chain bildeten zusammen mit Dinosaur Jr., Indie-Pop und dem Dream-Pop von Cocteau Twins die prägenden Einflüsse für die Shoegazing-Bewegung von die späten 1980er Jahre. Benannt nach der Neigung der Bandmitglieder, auf ihre Füße zu starren und Gitarreneffekte auf der Bühne zu spielen, anstatt mit dem Publikum zu interagieren, fungierten Acts wie My Bloody Valentine. Später kreierten Slowdive und Ride einen lauten "Sound of Sound", der Vocals und Melodien mit Langsamkeit verdunkelte , dröhnende Riffs, Verzerrung und Rückkopplung. ^[30] Die andere große Bewegung Ende der 80er Jahre war die medikamentöse Madchester-Szene. In der Nähe von The Haçienda, einem Nachtclub in Manchester im Besitz von New Order und Factory Records, mischten Madchester-Bands wie Happy Mondays und The Stone Roses Acid House-Rhythmen, Northern Soul und Funk mit melodischem Gitarren-Pop. ^[31]

Entwicklung: 1990er Jahre edit ]

Alternative tritt in den Mainstream ein [ edit ]

Die 1990er Jahre brachten große Veränderungen in die alternative Rock-Szene. Grunge-Bands wie Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden und Alice in Chains brachen in den Mainstream ein und erzielten kommerziellen Chart-Erfolg und weitreichende Bekanntheit. ^[3] Punk-Revival-Bands wie Green Day und The Offspring wurden ebenfalls populär und wurden unter der "Alternative" zusammengefasst "Regenschirm. ^[9] In Großbritannien sah Britpop Bands wie Blur und Oasis, die die regionalen, kleinräumigen und politischen Elemente der Indie-Szene der 1980er Jahre aufgaben. ^[32] Bands wie Hüsker Dü und Violent Femmes waren in dieser Zeit ebenso prominent, aber sie sind ikonoklastisch geblieben und sind nicht die Bands, die häufig als Inspiration für die heutige Generation der Indie-Rocker genannt werden. ^[33]

Alternative Rockbands, die in den Mainstream traten, verlor der Begriff "Alternative" seine ursprüngliche gegenkulturelle Bedeutung und begann sich auf die neue, kommerziell leichtere Form der Musik zu beziehen, die jetzt Mainstream erreichte m Erfolg. Es wurde argumentiert, dass sogar der Begriff "Ausverkauf" seine Bedeutung verlor, da durch Grunge durch die Mainstream-Bewegung eine Nischenbewegung kooptiert werden konnte, die die Bildung einer individualistischen, fragmentierten Kultur zementierte. [19659057] Diese Theorie stellt die Hypothese auf, dass die Unabhängigkeit von Bands eher eine Karriereentscheidung für Industriebereiche als ein Ideal war, da das Prinzip des Widerstandes gegen den Markt zugunsten einer eher synergistischen Kultur verschwand. ^[34]

Der Begriff "Indie-Rock" wurde mit den Bands und Genres in Verbindung gebracht, die ihrem unabhängigen Status vorbehalten blieben. ^[3] Selbst Grunge-Bands begannen nach ihrem Bruch mit dem Erfolg, mehr unabhängig klingende Musik zu erzeugen, was die Linien weiter verwischte. ^[34] Ryan Moore hat argumentiert, dass sich der als Indie-Rock bekannt gewordene Indie-Rock im Zuge der Aneignung von alternativem Rock durch die Corporate-Music-Industrie zunehmend der Vergangenheit zuwandte, um Formen des "Retro"-Rocks zu erzeugen auf Garage Rock, Rockabilly, Blues, Country und Swing. ^[35]

Indie electronic [ edit ]

"Indietronica" leitet hier um. Für einen umfassenderen Überblick über Electronic / Rock-Fusion-Stile siehe Electronic Rock.

Indie electronic deckt Rock-basierte Künstler ab, die eine Affinität für elektronische Musik haben und Sampler, Synthesizer, Drum-Machines und Computerprogramme verwenden. 19659065] Weniger ein Stil als eine Kategorisierung, es beschreibt einen frühen Trend der 1990er Jahre, der den Traditionen der frühen elektronischen Musik folgte (Komponisten des BBC Radiophonic Workshop), Krautrock und Synth-Pop. ^[36] Vorläufer des Genres waren Englische Bands Disco Inferno und Stereolab. ^[36] Die meisten Musiker des Genres sind bei unabhängigen Labels wie Warp, Morr Music, Sub Pop oder Ghostly International zu finden. ^[36]

Diversification [ edit ] 19659070] Ende der 1990er Jahre entwickelte Indie-Rock eine Reihe von Subgenres und verwandten Stilen. Nach Indie-Pop gehörten Lo-Fi, Noise-Pop, Sadcore, Post-Rock, Space Rock und Math-Rock. ^[3] Lo-Fi verzichtete für ein D.I.Y. Ethos und wurde von Beck, Sebadoh und Pavement, ^[9] angeführt, die von eklektischen Folk- und Rock-Acts des Elephant 6-Kollektivs, einschließlich Neutral Milk Hotel, Elf Power und von Montreal, begleitet wurden. ^[37] Die Arbeit von Talk Talk und Slint hat dazu beigetragen, Post-Rock zu inspirieren (ein experimenteller Stil, der von Jazz und elektronischer Musik beeinflusst wurde, von Bark Psychosis Pionierarbeit geleistet und von Acts wie Tortoise, Stereolab und Laika übernommen wurde), ^[38][39] und führte zu dichteren und komplexeren Gitarren- basierter Mathe-Rock, entwickelt von Acts wie Polvo und Chavez. ^[40]

Space Rock blickte auf progressive Wurzeln zurück, mit dronenlastigen und minimalistischen Acts wie Spacemen 3 in den 1980er Jahren, Spectrum und Spiritualized. und spätere Gruppen einschließlich Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor und Quickspace. ^[41] Im Gegensatz dazu betonte Sadcore Schmerz und Leiden durch melodische Verwendung akustischer und elektronischer Instrumente in der Musik von Bands wie American Music Club und Red House Painters ^[42] während die Wiederbelebung des Barockpop gegen Lo reagierte -fi und experimentelle Musik mit Schwerpunkt auf Melodie und klassischer Instrumentierung, mit Künstlern wie Arcade Fire, Belle und Sebastian und Rufus Wainwright. Weezers Pinkerton (1996) stellte das Emo-Genre einem breiteren und eher Mainstream-Publikum vor. ^[43]

Proliferation: 2000s [ edit

Zeichen von kommerziellem Interesse edit ]

In den 2000er Jahren ermöglichten die sich wandelnde Musikindustrie, der Rückgang der Rekordverkäufe, das Wachstum neuer digitaler Technologien und die zunehmende Nutzung des Internets als Instrument für die Musikförderung ein neues Welle der Indie-Rock-Bands, um Mainstream-Erfolg zu erzielen. ^[4] Zu den bestehenden Indie-Bands, die jetzt in den Mainstream eintreten konnten, gehörten musikalisch und emotional komplexere Bands ^[44] darunter Modest Mouse (deren 2004-Album Good News for People Who Love) Bad News erreichte die Top 40 der USA und wurde für einen Grammy Award nominiert.) Bright Eyes (der 2004 zwei Einzelspieler an der Spitze des Billboard-Magazins Hot 100 Single Sales hatte) ^[45] und Death Cab für Cutie (dessen 2005 album Plans debütierte bei number fou In den USA blieb er fast ein Jahr in den Billboard-Charts und erreichte den Platin-Status und eine Grammy-Nominierung. ^[46] Dieser neue kommerzielle Durchbruch und die weit verbreitete Verwendung des Begriffs Indie für andere Formen der Populärkultur führten zu einer Reihe von Folgen Kommentatoren, die behaupten, dass Indie-Rock kein bedeutungsvoller Begriff mehr sei. ^[47][48]

Post-Punk-Wiederbelebung [ edit ]

In den frühen 2000er Jahren spielte eine neue Gruppe von Bands, die eine Band spielten -Down- und Back-to-Basics-Version des Gitarrenrock wurde zum Mainstream. Sie wurden auf verschiedene Weise als Teil eines Garage Rock, New Wave oder Post-Punk Revival charakterisiert. ^{[49][50][51][52]} Weil die Bands aus der ganzen Welt kamen, zitierten sie verschiedene Einflüsse (vom traditionellen Blues über New Wave bis Grunge) und nahmen unterschiedliche Stile an In Sachen Kleidung ist ihre Einheit als Genre umstritten. ^[53] In den 1980er und 1990er Jahren gab es Versuche, den Garage Rock und Elemente des Punks wiederzubeleben, und 2000 waren Szenen in mehreren Ländern aufgewachsen. ^[54] The Detroit Rockszene dazu gehörten die von Bondies, Electric Six, The Dirtbombs und The Detroit Cobras ^[55] und die von New York Radio 4, Yeah Yeah Yeahs, Electric Frankenstein und The Rapture. ^[56] Woanders die Oblivians aus Memphis, ^[57] Billy Childish und The Buff Medways aus Großbritannien, ^[58] Die (internationale) Lärmverschwörung aus Schweden ^[59] und die 5.6.7.8 aus Japan ^[60] waren unterirdisch, regional oder national erfolgreich.

Der kommerzielle Durchbruch dieser Szenen wurde von vier Bands angeführt: The Strokes, die mit ihrem Debütalbum aus der New Yorker Clubszene hervorgingen Is This It (2001); The White Stripes aus Detroit mit ihrem dritten Album White Blood Cells (2001); The Hives aus Schweden nach ihrem Compilation-Album Your New Favorite Band (2001); und The Vines from Australia mit Highly Evolved (2002). ^[61] Sie wurden von den Medien als "The" -Bands getauft und als "The saviours of rock 'n' roll" getauft hype. ^[62] Eine zweite Welle von Bands, die durch die Bewegung internationale Anerkennung erlangten, waren The Black Keys, Black Rebel Motorcycle Club, Modest Mouse, The Killers, Interpol und Kings of Leon aus den USA. ^[63]

Aus dem Vereinigten Königreich waren The Libertines, Franz Ferdinand, Blockpartei, Herausgeber, ^[64] Die Fratellis, Razorlight, Kaiser Chiefs und The Kooks. ^[65] Die britische Band Arctic Monkeys waren die prominentesten Schauspieler Ihren anfänglichen kommerziellen Erfolg verdanken sie dem Einsatz sozialer Netzwerke im Internet. Mit ihrer Debütsingle "Ich wette, du siehst gut aus auf der Tanzfläche". ^[66] . Ebenfalls erfolgreich waren Jet aus Australien, ^[67] und The Datsuns und The D4 aus Neuseeland. ^[68] Viele der oben aufgeführten britischen Bands mit Ausnahme der Arctic Monkeys erlebte das Unternehmen einen drastischen Rückgang, was der "Guardian" als "langsamen und schmerzhaften Tod" des Indie-Rock bezeichnet hat. ^[69] Im Jahr 2018 [ The Guardian " Der Musikkritiker John Harris sprach von der völligen Abwesenheit von Gitarrenrock in den Musikcharts. und argumentierte, dass eine Wiederbelebung des Genres höchstwahrscheinlich auf den Aufstieg weiblicher Gruppen zurückzuführen sein wird. Er schrieb: "Es besteht das Gefühl, dass den meisten Rockmusikern die kreativen Umsetzungen ausgehen, als ob die Möglichkeiten, die 12 Töne und der 4/4-Takt bieten, alle aufgebraucht sind." ^[70]

Emo [ ] edit ]

In den 1990er Jahren diversifizierten verschiedene Indie-Rock-Konzerne wie Sunny Day Real Estate und Weezer das Emo-Genre von seinen Hardcore-Punk-Wurzeln. Mitte der späten 1990er Jahre begannen sich einige Emo-Gruppen im Mittleren Westen zu bilden, darunter The Promise Ring, The Get Up Kids und American Football. Emo brach auch in die Mainstream-Kultur in den frühen 2000er Jahren ein, mit dem Platin-Verkaufserfolg von Jimmy Eat Worlds Bleed American (2001) und Dashboard Confessionals Die Orte, die Sie am meisten fürchten (2001). ^[5] Der neue Emo hatte einen feineren Klang als in den 1990er Jahren und eine weitaus größere Anziehungskraft als seine früheren Inkarnationen. ^[5] Gleichzeitig verbreitete sich der Begriff "Emo" über das Musical hinaus Genre, mit Mode, Frisur und jeglicher Musik verbunden, die Emotionen ausdrückt. ^[71] In den mittleren Jahren bis Ende der 2000er Jahre wurde Emo von Multi-Platin-Acts wie Fall Out Boy ^[72] gespielt Meine chemische Romanze, ^[73] Paramore, ^[72] und Panik! at the Disco. ^[74]

Landfill Indie edit

Ende der 2000er Jahre wurde die Verbreitung von Indie-Bands als "Indie-Deponie" bezeichnet. ^[6] eine Beschreibung geprägt von Andrew Harrison von Das Word-Magazin ^[75] und die Dominanz von Pop und anderen Musikformen gegenüber Gitarren-Indie führten zu Vorhersagen über das Ende des Indie-Rocks. Es gab jedoch weiterhin kommerzielle Erfolge wie Kasabians West Ryder Pauper Lunatic Asylum (2009), das die Nummer eins in Großbritannien erreichte. ^[76] Im Jahr 2010 veröffentlichte die kanadische Band Arcade Fire The Suburbs erreichte Platz 1 der Billboard-Charts in den Vereinigten Staaten und des offiziellen Charts in Großbritannien und gewann einen Grammy für das Album of the Year. ^[77]

Die Jahre 2010 und der Aufstieg des DIY [ edit [Bearbeiten]]

Aufstieg der Streaming-Dienste [ edit ]

Mit der Veröffentlichung der zweiten LP der Jacuzzi Boys Glazin ' im Jahr 2011, The Orwells' Denken Sie daran, als im Jahr 2012 und Twin Peak's Sunken im Jahr 2013 eine neue Art von Musik aufstieg. DIY entstand aus der Notwendigkeit, sich an den wechselnden Musikgeschmack in den USA und Europa anzupassen. Mit der Schaffung von Spotify und anderen Musik-Streaming-Diensten war es für Musiker einfacher, über Wasser zu bleiben, indem sie ihre Musik auf ein enormes potenzielles Publikum ausbreiteten. ^[78]

Siehe auch [ edit

1. ^ Plemenitas, Katja (2014). "Die Komplexität der Texte in Indiemusik: Das Beispiel von Mumford & Sons". In Kennedy, Victor; Gadpaille, Michelle. Wörter und Musik . Cambridge Scholars Publishing. p. 79. ISBN 978-1-4438-6438-1.
   


2. ^ ^{a b c} c S. Brown und U. Volgsten, Musik und Manipulation: Zur sozialen Verwendung und sozialen Kontrolle von Musik (Berghahn Books, 2006), ISBN 1-84545-098-1, p. 194.
   


3. ^ ^a b